O Violino: da rua à corte

Texto por: Alexandra Cunha

Não é segredo para ninguém, que o violino é, dentre todos os instrumentos, um dos mais longevos e populares. Presente na música e na cultura de diversos povos, tais como os judeus, ciganos, irlandeses, russos e os europeus de modo geral, com destaque para Itália, Alemanha e França.

É controverso determinar quem teria feito o primeiro violino, uma vez que ele é derivado de ao menos três outros instrumentos medievais – a viol, a rabec e a lira da braccio, mas é consenso entre os musicólogos que ele surgiu no norte da Itália, no começo do século XVI.

O mais antigo registro iconográfico conhecido é a pintura A Virgem das Laranjas, de Gaudenzio Ferrari datada de 1530, que se encontra na Igreja de São Cristovão, em Vercelli (60km de Milão), onde se vê um querubim tocando um instrumento, que guarda semelhanças com o violino tal qual conhecemos, exceto pelas três cordas e as curvas exacerbadas, como se houvera sido insuflado por outro anjo. Cinco anos após, Ferrari pintará na cúpula da Basílica Madonna dei Miracoli o afresco intitulado O Concerto dos Anjos e lá está a família completa: violino, viola e cello.

Documentos do mesmo período dão conta da existência de bandas de saltimbancos, músicos, dançarinos e artistas de rua como os Violini Milanese (Violinos de Milão), contratados para se apresentar em Nice em 1538. Esta é a primeira vez que a palavra violino aparece grafada em Italiano, no plural. 

Neste ponto, é possível perceber que o violino é uma expressão das ruas, portanto, popular,  está em franca expansão e que logo em seguida cairá nas graças da realeza e da aristocracia. E mais importante, está lançada a pedra fundamental sobre a qual se assentará, em grande parte, a história da música clássica ocidental, representada pelos mais de quatro séculos de excelente música escrita para o violino e sua família.

Antes de prosseguirmos nessa odisséia, uma breve digressão: a que se deveu esse sucesso de público e crítica do nosso personagem? Teria sido em razão de sua forma diminuta, facilitando o transporte, uma vez que os músicos precisavam viajar? Ou ainda, pela oferta de matéria prima e liutaios de excelente categoria, espalhados por toda a grande região da Lombardia em cidades como Bréscia, Milão e Cremona? 

Bem, talvez estes elementos tenham desempenhado um papel importante, mas analisemos: se a portabilidade fosse fator determinante, o apito seria um “popstar”! Imaginem só, tango para bandoneón e apito: melhor não… Por outro lado, a geografia e o ambiente cultural da Europa Renascentista explicam em grande parte a predileção por esta nova família de instrumentos de corda, uma vez que os liutaios, tradicionalmente, construíam uma grande variedade de instrumentos de cordas dedilhadas e friccionadas, tais como o liuto (que dá nome à profissão), o alaúde, a viola da gamba (preferida até então)  e etc. 

Então por quê?! Por quê?, indagam com aflição as nobres leitoras e os caros leitores. Sem mais delongas: o som! Ah! mas que bobagem, isso todo mundo já sabia.

O ano é 1564 e Andrea Amati (1505 – 1577), está entregando parte dos 38 belíssimos instrumentos encomendados quatro anos antes para o Rei Carlos IX, por intermédio de sua mãe Catarina de Médici, rainha regente da corte francesa. Catarina, reconhecida amante e mecenas das artes; já contratara o violinista Piemontês Baldassare di Belgioioso como mestre de danças para entretê-la e ao infante – sim, desde o princípio violinista dança e rebola miúdo pra “ganhar o pão” – e em 1560 é a vez do violinista cremonês Girolamo Magarini assumir o entretenimento da corte em caráter permanente. O ano coincide com a encomenda feita a Amati, sugerindo que Magarini tenha recomendado o conterrâneo.

O pouco que sabemos sobre Andrea Amati advém dessa coleção de instrumentos que ele fez para o rei, dos quais alguns exemplares sobrevivem ainda hoje. A façanha de Amati constitui uma enorme mudança de paradigma: de repente, aquele instrumento de raízes populares passa a ser demandado por músicos profissionais e requer, além das virtudes acústicas, que seja um capolavoro (obra prima) à altura da realeza. 

Não só as expectativas foram plenamente satisfeitas, como, para além da maestria com que foram construídos, esses exemplares apresentam todas as marcas registradas do violino como conhecemos e, por isso, Andrea Amati é considerado o inventor do violino “moderno”.  As aspas se devem à ironia da palavra modernidade empregada quando falamos desses instrumentos passados mais de quatro séculos. Especialmente notável se lembrarmos que o arco só atingiu esse status dois séculos depois.

Antes que os mais atentos questionem a coerência dessa alegada paternidade, em aparente contradição com o descrito no segundo parágrafo, reforço que o tema permanece controverso, mas que a escolha recaiu sobre Amati, porque sua arte, continuada e refinada por seus dois filhos, Antonio e Girolamo, cada qual mestre por méritos próprio, inaugurou a tradição de Cremona como a Meca da liuteria mundial.

Coube a Nicolò Amati (1596 – 1684), o sexto filho de Girolamo, e o mais talentoso dos Amati, dar continuidade à tradição familiar. Eis que em 1630, Nicolò perde o pai, a mãe e duas irmãs para a peste que assola a Europa, seguida de fome e tempos duros, e se vê incapaz de dar conta sozinho do volume crescente de encomendas. Seu tio Antonio abrira sua própria bottega (oficina) especializada em liutos; logo, Nicolò se vê obrigado a contar com ajuda de aprendizes como  Andrea Guarnieri e Giacomo Gennaro. Indiretamente, por falta de evidência documental que comprove a relação mestre/aprendiz, exerce influência decisiva no estilo inicial de Francesco Rugeri, Jacob Stainer, Giovanni Battista Rogeri e Antonio Stradivari; integrantes da geração seguinte de grandes Maestros Liutaios que ajudaram a consolidar a fama e a tradição dos violinos italianos.

Antonio Stradivari (1644 – 1737) é considerado o maior construtor de violino de todos os tempos, tendo produzido, com ajuda dos filhos Francesco e Omobono, quase mil instrumentos  entre violinos, violas e cellos, dos quais 650 ainda sobrevivem. Em sua longa e profícua carreira, 71 anos de trabalho, Stradivari experimentou e testou, materiais, formatos e vernizes diversos, obstinadamente, em busca da perfeição. A preferência de 6 em cada 10 solistas e colecionadores (muito ricos), tanto pela qualidade sonora inigualável quanto pela beleza de seus instrumentos, ajudou a construir o mito em torno de seu nome. Depois de séculos de especulação mágica, a ciência decidiu usar tecnologia de ponta para desvendar o mistério de Strad. O que se descobriu é que não há truque, ele simplesmente trabalhou com tal nível de maestria, que, valendo-se de conceitos como a proporção áurea, a sequência de Fibonacci e a simetria, deixaria seu compatriota Leonardo da Vinci orgulhoso.

Sobre o outro gênio do renascimento italiano, Michelangelo, conta-se uma anedota que, tendo ou não suporte na realidade, descreve com precisão a obra de Stradivari. Perguntado sobre como era possível, a partir de um bloco de mármore bruto, esculpir o busto de um cavalo que parecia ter vida, Michelangelo teria respondido: “eu olho pra pedra e vou removendo tudo o que não é cavalo!”

Assim, como nas fugas de Bach ou nas Sinfonias de Mozart, não sobra nem falta nada, as 70 partes (72 se tampo e fundo forem divididos ao meio) que compõem o violino encontram em Stradivari sua síntese máxima!

Nosso próximo e último personagem, Bartolomeo Giuseppe Guarnieri (1698 – 1744), mais conhecido como Guarnieri “del Gesú”, é o único capaz de rivalizar com Stradivari em termos de complexidade tonal e potência, na preferência dos solistas. A diferença na trajetória e visão dos dois mestres pode ser resumida assim: Strad é Apolíneo, virtuoso, o som é cristalino e evoca os céus. Enquanto Guarnieri, Dionisíaco, abre mão dos detalhes. De fato, alguns de seus instrumentos são bastante assimétricos, em favor de uma busca incessante por um som poderoso, com graves e profundidade insuperáveis, inspirado nos Brescianos, de aparência mais rústica, portanto mais humanos e telúricos.